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Qu’est-ce que la “photo d’art” ?

Depuis son invention, la photographie a influencé la façon dont le monde perçoit et présente l’histoire, ainsi que la vie quotidienne. Une photographie est capable non seulement de capturer un bref moment figé dans le temps, mais également de représenter un mouvement social entier ou d’être un catalyseur du changement.

La photographie en tant que forme d’art est née des progrès de la technologie, qui ont permis aux photographes de manipuler leurs images en fonction de leur expression artistique. Les photographes sont capables de modifier radicalement le résultat d’une image en choisissant différents appareils, objectifs, pellicules, ainsi que le cadrage et le moment de la prise de vue. Les filtres, l’éclairage de studio, les différents procédés de la chambre noire et l’amélioration numérique offrent aux photographes encore plus d’outils pour manipuler leurs images.

Qu’est-ce qui définit la photographie artistique ?

Avant tout, la photographie artistique doit être transformationnelle, et non simplement représentative. Si vous pouvez capturer par hasard une scène incroyable sur le chemin du travail dans la rue, votre photo ne peut être considérée comme de l’art que si elle a été transformée d’une manière ou d’une autre par votre intelligence et votre réflexion. Cela ne signifie pas pour autant que la photographie artistique ne peut être réalisée qu’au moyen d’une mise en scène et d’un éclairage complexes ou d’effets numériques. En fait, certaines des photos les plus artistiques jamais prises sont des paysages, comme celles d’Ansel Adams.

Cela s’explique par le fait que la transformation artistique est plus subtile que la plupart des gens ne le comprennent d’autant plus dans la photographie d’art contemporain. Vous pouvez appliquer un filtre artistique à n’importe quelle photographie par les moyens suivants :

Le cadrage

En choisissant simplement de cadrer ou de recadrer la scène d’une certaine manière, vous pouvez faire en sorte qu’une photographie passe au rang d’œuvre d’art. La célèbre photographie d’Alfred Stieglitz, The Steerage (prise en 1907), est souvent considérée comme la première photographie artistique importante de l’histoire. Alors qu’elle pourrait être considérée comme purement représentative, les décisions du photographe en matière de cadrage, d’inclusion dans la scène et de liaison entre les différentes formes et lignes qui s’offraient naturellement à lui ont en fait été “mutatrice”, donnant naissance à une photographie qui relève de l’art tout simplement.

Le choix de la pellicule

à l’ère moderne, le choix de la pellicule, de la couleur ou du noir et blanc, et d’autres décisions techniques peuvent agir comme un filtre artistique, transformant une scène même si aucune autre mise en scène ou modification technique n’y est apportée.

Le positionnement

La photographie représentative doit simplement prendre la scène qu’elle rencontre. Cependant, la scène peut être élevée simplement en prenant la décision de prendre la photo d’un angle spécifique, d’un point de vue spécifique et à un moment spécifique.

Les techniques pour prendre une photo d’art

Commencez par coucher vos idées sur le papier. Le brainstorming est le point de départ de tout effort créatif, et la photographie n’est pas différente. Déversez toutes vos pensées sur une feuille de papier. Cela peut être désordonné, et peut-être que cela n’a même pas de sens, mais cela vous donne un point de départ. Vous pouvez ensuite commencer à catégoriser et à organiser ce désordre en thèmes et idées pertinents que vous souhaitez communiquer.

Maintenant que vous savez ce que vous voulez dire, il est temps de déterminer ce que vous allez utiliser pour le dire. Sur quoi voulez-vous que l’accent soit mis dans les photos ? Vos sujets peuvent être des personnes, des bâtiments, des paysages (voir la photo de nature), des animaux domestiques, des natures mortes, ou même la rue comme dans les photos de street art etc. Il n’y a pas de limite. Quel sujet communique le mieux votre thème et votre message ?

Vous savez que vous voulez utiliser la photographie pour capturer vos sujets, mais quelles autres techniques voulez-vous utiliser ? Des photos en noir et blanc ou en couleur seraient-elles les plus percutantes ? Souhaitez-vous vous concentrer sur des détails comme dans la photo macro ? Selon votre style, vous pouvez opter pour la photographie en studio ou la lumière naturelle en plein air. Quel type de post-production et d’édition souhaitez-vous réaliser ?

Une fois que vous avez trouvé un processus créatif qui vous satisfait, créez un ensemble d’œuvres basées sur le message, les sujets et les techniques que vous avez choisis ci-dessus. La collection de travaux doit être cohérente ; elle doit communiquer clairement votre sujet. La méthode choisie doit les lier entre elles, et le spectateur doit repartir avec non seulement un message, mais aussi une histoire racontée à travers vos photographies.

Après avoir créé une bonne quantité de travaux que vous pouvez montrer, vous pouvez créer un site Web de photographie d’art pour présenter votre travail et mettre en place une boutique de commerce électronique si vous voulez vendre vos œuvres.

L’utilisation de la photographie dans l’art

La photographie a évolué à partir de la camera obscura, un instrument qui projetait une image à travers un petit trou, permettant à l’artiste de faire un tracé précis d’un objet ou d’une scène. La première mention de son utilisation comme aide au dessin apparaît dans Magia Naturalis, un traité scientifique du scientifique italien Giambattista della Porta. De nombreux maîtres anciens des 17e et 18e siècles, dont Jan Vermeer (1632-75) et Canaletto (1697-1768), l’auraient utilisé dans leurs croquis.

Avec la distribution des appareils photo vers 1840, l’utilisation de photos est devenue courante dans la production de portraits et de paysages. De nombreux peintres et portraitistes ont commencé à utiliser le nouveau support qu’offrait la photographie en plus des modèles dans le but de réduire le temps de pose. Le grand peintre réaliste américain du XIXe siècle, Thomas Eakins (1844-1916), notamment, était un grand amateur de l’appareil photo, et employait la photographie dans le cadre de sa recherche sur le réalisme, plutôt que comme un raccourci ou une aide à la composition et à la perspective. La photographie a également été utilisée par les paysagistes, notamment les impressionnistes français, pour rendre plus aisée la peinture en plein air.